El hombre y el monstruo (1931)

Título Orig.:	Dr. Jekyll and Mr. Hyde
Director:	Rouben Mamoulian
Música:	Herman Hand, Rudolph G. Kopp, John Leipold, Ralph Rainger
Guionista:	Samuel Hoffenstein & Percy Heath (Novela: Robert Louis Stevenson)
Categoría:	Drama. Terror | Siglo XIX
País:	Estados Unidos
Duración:	98 min.
Protagonistas:	Fredric March, Miriam Hopkins, Rose Hobart, Holmes Herbert, Halliwel Hobbes, Edgar Norton,Tempe Pigott
Sinopsis:	Ante un auditorio científico el doctor Henry Jekyll expone su teoría de que el ser humano está dividido en dos personalidades, una positiva y otra negativa, y que ambas se pueden separar, pero no logra convencer a sus oyentes. Después de visitar a su prometida Muriel, y paseando con su amigo el doctor Lanyonal que intenta convencer de que su idea es viable, conoce a una joven artista de music-hall, Champagne Ivy. En su laboratorio Jekyll experimenta con una droga y se transforma en el señor Hyde y, bajo esta personalidad y por medio de amenazas, se convierte en amante de Ivy...

Casi desde que el cine existe, la Inglaterra victoriana (su estricta escala social y sus aires a la vez majestuosos y macabros, grandilocuentes y míseros), ha sido uno de los escenarios históricos  y sociales a los que se han remitido infinidad de directores americanos para quienes  independientemente de la historia que pusieran en imágenes, ese país y esa época ofrecían multitud de posibilidades expresivas, tanto a nivel de imagen como de contenido, también de un origen en qué verse reflejados, sobre todo contando que la gran mayoría de la población de Estados Unidos, al menos durante las cuatro primeras décadas del siglo, estaba formada por hombres y mujeres de origen Inglés.

Si a esta nostalgia de la metrópoli y de su aire imperial le añadimos el filón casi inagotable que suponía la literatura, el arte que mejor ha sabido complementarse con el cine, es fácil de explicar el atractivo que novelas que como “El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde” ejercieron sobre productores y directores deseosos del éxito y por millones de espectadores que sin reticencias de ningún tipo se identificaban y comprendían en pocos minutos de metraje los mecanismos internos de las historias que veían en la pantalla.

Ambientada según la novela homónima de Robert Louis Stevenson (cuyas obras mayores fueron popularizadas por el séptimo arte), en pleno Londres de finales del siglo XIX, "El hombre y el Monstruo" o “El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde” narra la historia de un respetado médico de la alta sociedad, obsesionado como muchos de sus colegas de todos los tiempos, por la naturaleza mas impenetrable del ser humano y sobre todo por lo que parece su natural inclinación hacia el mal. Mientras refugiado en su soledad el doctor avanza cada vez más en sus investigaciones, su vida real, la que refleja esa respetabilidad propia de la clase alta, transcurre en completa y armónica melancolía entre las visitas de sus distinguidos pacientes, los paseos con los hijos de estos y los escarceos amorosos siempre dentro los límites marcados por los convencionalismos con su prometida.

Sin embargo bajo esta imagen de normalidad, se esconde un ser torturado por la curiosidad que contra todo pronóstico, logra finalmente elaborar una posición capaz de sintetizar la esencia de ese mal que pretende destruir, como todo investigador que se precie, antes de dar a conocer al mundo su portentoso descubrimiento, el Dr. Jekyll decide experimentarlo en sí mismo, tras corridos los primeros momentos de decepción, el doctor comienza a sentirse súbitamente aquejado de un rápido y devastador proceso de transformación, que convierte al apacible profesional de la medicina, en una bestia sanguinaria y carente de remordimientos, acaba de nacer Mr. Hyde, juego de palabras que contiene una de las metáforas más brillantes tanto de la novela como de la película, en Inglés el apellido del monstruo se pronuncia igual que el adjetivo oculto y con él, el conflicto entre el bien y el mal llevada a su expresión mas extrema. Durante su puesta de largo, ese nuevo hombre comete una serie de atrocidades inexplicables a los ojos de la policía por carácter de un móvil, el mal actúa por sí mismo y movido por su propia inercia.

Una vez recobrada su verdadera identidad, el desdoblado Jekyll se abandona en principio a su vanidad asombrado de sus logros científicos y convencido de poder controlar el alcance de los mismos. Al igual que su ilustre colega literario y cinematográfico el Dr. Frankenstein, Jekyll ha jugado a ser Dios y ha perdido, su creación que no ha hecho sino desatar las fuerzas malignas que todos llevamos dentro, se le ha escapado de las manos llevando a límites insospechados la teoría Freudiana del desdoblamiento de la personalidad, un éxito que lejos de su propio alcance en el terreno de la investigación supone un camino sin retorno en los senderos del remordimiento y la locura. 

A medida que el tiempo avanza, la capacidad letal de su otro yo aumenta y amenaza con destruir todo lo que Jekyll respeta y ama, lo que pone en marcha la doble lectura de la historia, por lo que supone de subversión de un orden establecido que aunque injusto, conserva unas mínimas normas de juego. Finalmente convencido de su derrota y del tremendo y desolador efecto de la misma, Jekill se verá obligado a tomar la única y trágica decisión a la que él mismo se ha forzado.

Rouben Mamoulian

Pese a ser recordado como un director todo terreno capaz de satisfacer a los patrones más exigentes de la meca del cine, dirigió con notable éxito melodramas para la Metro Goldwyn Mayer como “La Reina cristina de Suecia” y películas de aventuras como “El signo del zorro” para la Fox. Rouben Mamoulian compartía con sus coetáneos la fascinación -antes citada- por la Inglaterra victoriana y el entusiasmo por la relativa de Stevenson, a la que supo sacar todo el partido posible, en un momento en el que el casi recién implantado cine sonoro ofrecía una ilimitada gama de posibilidades técnicas. En su trabajo de adaptación Mamoulian no solo no se limitó a seguir las líneas marcadas por el guion, sino que incluso a espaldas de los estudios se dedicó con entusiasmo a introducir cuantos matices le permitían al original literario y la versatilidad de su protagonista, un Fredric March, que tras haber hecho carrera en películas sin demasiada importancia, vio como su caché ascendía como la espuma después de dar vida a este ambiguo y doble personaje, en su composición del doctor, primero apacible y aburrido y más tarde atormentado. March sentó las bases de un modelo de actuación que sería casi dos décadas más tarde recordado como ejemplo a seguir en las clases del alto estudio Neoyorquino y cuyo papel le valió el “Oscar a mejor actor”.

Quizá hoy “El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde” mantiene buena parte de su atractivo, sobre todo gracias a su crispada violencia (mucho más temible en sus aspectos psicológicos, que cuando estalla de forma evidente) y a la riqueza tanto visual, como a sus efectos sonoros. 

Información adicional: 

Robert Louis Stevenson: http://en.wikipedia.org/wiki/Robert_Louis_Stevenson

Trastorno de identidad disociativo: http://es.wikipedia.org/wiki/Trastorno_de_identidad_disociativo

Su nombre es Sabine (2007) - Dir.Sandrine Bonnaire

Título Orig.:	Elle s'appelle Sabine
Director:	Sandrine Bonnaire
Música:	Nicola Piovani, Jefferson Lembeye
Guionista:	Sandrine Bonnaire, Catherine Chabrol
Categoría:	Documental | Enfermedad
País:	Francia
Duración:	85 min.
Protagonistas:	Documental
Sinopsis:	La actriz Sandrine Bonnaire debuta en la dirección con este documental que realiza un retrato sensible de Sabine Bonnaire, una joven mujer autista de 38 años, hermana menor de la actriz, y la persona más cercana a ella. Sabine Bonnaire sufre desde siempre trastornos mentales relacionados con el autismo, y depende de atención permanente; hoy vive en una residencia especializada. Su hermana cuenta su historia apelando a archivos personales acumulados durante un cuarto de siglo, entre fotos y filmaciones familiares, para contar la vida de Sabine y la evolución de su enfermedad. Poco a poco, su hermana identifica la razón de su deterioro de los últimos años: la internación en una institución psiquiátrica donde la medicación ha tenido efectos peores que los de la enfermedad que suponía tratar.

Sandrine Bonnaire

Nació el 31 de mayo de 1967 en Gannat, Francia. Comienza su carrera de cine en 1980 con dos películas juveniles: “La Boum” y “Les Sous-doués en vacances” pero se da a conocer el público al año siguiente con la película de Maurice Pialat: “À nos amours” o “Nuestros amores”, donde su juventud, su frescura, su espontaneidad y su sensualidad estallan en la pantalla, por esta actuación gana a los 16 años el “Cesar de la mejor esperanza femenina”. Su carrera en adelante se lanza, y su colaboración con este director (que la eligió en una prueba de casting cuando acompañaba a una de sus hermanas), se consolida con fuerza con la realización de dos películas más, “Police” (también dirigido por Maurice Pialat) y “Bajo el sol de Satanás” ganadora de la palma de oro en el festival de Cannes de 1987.

A lo largo de su carrera, Sandrine Bonnaire se hace famosa mas bien con un registro actoral oscuro y serio, como en la película “Sin techo, ni ley” de Agnès Varda, donde juega el papel de una joven marginal que finalmente muere de frio, su interpretación le vale en 1986 un segundo “Cesar como mejor actriz”, convirtiéndose de esta manera en la más joven comediante en esta categoría, 19 años.

Sandrine Bonnaire reconoce ella misma que su apariencia debe exhibir cierta gravedad, gravedad que realizadores como Patrice Leconte, Jacques Doillon, Jacques Rivette, André Téchiné o también Claude Chabrol han sabido utilizar con buen juicio, su prestación inquietante en “Monsieur Hire” es saludada nuevamente con una nominación a los premios Cesar, y su papel subversivo, analfabeta y criminal en “La Cérémonie” es distinguido con la copa “Volpi por la mejor interpretación femenina” en el festival de Venecia en 1995, conjuntamente con Isabelle Huppert .

En los años 2000, consigue actuaciones con una nota más ligera y chispeante en películas como  “Mademoiselle” de Philippe Lioret o “Yo creo que te amo” de Pierre Jolivet entre otras, aunque siempre sigue vinculada con un cine de autor serio. Durante la década de los años 80 compartió vivencias con Miou-Miou en “Blanche et Marie”, Fue la hija de  Michel Piccoli en “La puritana”, en los años 90 intervino en la adaptación de “La peste” que dirigió Luis Puenzo y encarnó a Juana de Arco para Jacques Rivette. Con Chabrol, Sandrine Bonnaire volvió a coincidir en la película “En el corazón de la mentira”. “Never Ever” una película independiente dirigida y escrita por  Charles Finch, fue su primera cinta con capital estadounidense, otros títulos de su filmografía son “Confidencias muy intimas” del 2004, drama psicológico dirigido por Patrice Leconte y “El extraño”,  película coprotagonizada por Philippe Torreton.

-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

Su nombre es Sabine

Para su primera experiencia detrás de la cámara, Sandrine Bonnaire se rodeó de personas a las que conoce bien y desde hace largo tiempo. Para que la asistiera en la escritura del guion y también para que se hiciera cargo de la segunda cámara, convocó a Catherine Chabrol, una muy conocida fotógrafa, célebre no solamente por su trabajo en cine, si no por sus reportajes fotográficos sobre las mujeres golpeadas del Tibet. Una vez concluida su experiencia en el rodaje del documental, Sandrine Bonnaire ha querido prolongar la aventura escribiendo un guion para un largometraje de ficción a partir de la misma historia. La banda sonora está compuesta por Jefferson Lembeye e incluye temas del músico italiano Nicola Piovani (El extraño, Odette - una comedia sobre la felicidad, El tigre y la nieve, La habitación del hijo, La vida es bella, Corriendo libre) quien no solo accedió sino que cedió los derechos de utilización de la música gratuitamente.

Desde junio de 2006 a febrero de 2007, la actriz Sandrine Bonnaire visitó periódicamente Charente en Montmoreau, para narrar su primer largometraje. Sabine Bonnaire es una joven autista de 38 años, su hermana, la reconocida actriz francesa Sandrine Bonnaire, debuta como directora homenajeándola con el documental “Su nombre es Sabine”, a través de archivos personales, acumulados durante 25 años, Sandrine Bonnaire reconstruye la vida de Sabine, una niña sensible y con dotes artísticos evidentes, convertida en una persona irreconocible, por culpa de los efectos devastadores de una estancia de más de 5 años en un centro psiquiátrico. El documental constituye una dura crítica a las instituciones psiquiátricas francesas, pero ante todo, es un retrato austero, cercano y tierno de una enfermedad que nuestra sociedad nunca ha sido capaz de entender y de atender correctamente. Sandrine Bonnaire indaga en el autismo, en la muy personal “Su nombre es Sabine”, la musa de Chabrol, debuta con un sensible y emotivo documental familiar que aborda la enfermedad mental desde su propia experiencia.

Observar a los enfermos mentales no es fácil, los males psíquicos, esas heridas invisibles pero más terroríficas quizá que cualquier otra, nos asombran no por lo que tienen de distinto sino por lo que nos podemos reconocer en ellos, lo vemos en Sabine protagonista de este hermoso documental,  que Sandrine le dedica. Vemos a una mujer con Autismo, gravemente enferma, cuyas emociones nunca nos serán ajenas, la compasión, el amor, la necesidad de afecto y también la rabia, el dolor o la tentación de la violencia, Sabine es como nosotros, solo que de forma extrema.

Y dice Sandrine Bonnaire: “La idea comenzó a tomar forma, antes de que concluyera el primero de los 5 años de internación de mi hermana Sabine, yo veía como su condición iba agravándose rápidamente, como avanzaba la anormalidad y sentía una enorme nostalgia de su belleza, de sus capacidades motoras, entonces decidí acudir a eso que ahora se conoce como imágenes de archivo, fragmentos de películas de super 8 pasadas a video”. De esta manera “Su nombre es Sabine” puede entenderse también como una película sobre la autodestrucción humana, lo dice la psicóloga de la autista en un momento dado: “La definición de autismo se corresponde con la idea de autodestrucción, de no ser capaz de convivir con un mínimo de armonía con los demás, es el final una condena perpetua a uno de los peores males que puede sufrir un ser humano, la extrema soledad, la sensación eterna de ser incomprendido y mal querido.”

De esta manera Sabine se presenta como un personaje ambivalente, por una parte su debilidad, su afectuosidad inmensa y su necesidad de ser atendida y amada, por la otra, una diversibidad que impide incluso que aquellos que más la quieren puedan permitirse el lujo de vivir con ella. “Yo quería filmarla tal cual es, bella y menos bella, tierna y violenta, vulgar cuando insulta y virtuosa cuando interpreta un preludio de Bach”. Los autistas no son forzosamente gente recluida en si misma, inmersos en un total mutismo, ni tampoco individuos superdotados, (como el personaje de Rain man), busquemos tantas otras manifestación del autismo fuera de las representaciones habituales.

Construida en dos tiempos, la juventud de Sabine (en la que era una mujer bellísima de mirada extraviada, pero enigmática), contrasta con su madures al salir de un hospital en el que permanece recluida 5 años y que la convierte en una mujer irreconocible, mucho más gruesa, con la mirada definitivamente perdida, con aspecto de persona irremediablemente enferma, de esta manera la directora denuncia un sistema psiquiátrico que sufre una absoluta falta de recursos y unos tratamientos que priman la medicación agresiva, para mejorar el comportamiento por encima de las secuelas. Y dice ella: “ Yo solía comparar sus dos rostros, el de Sabine entonces, con este transformado, para intentar comprender porque se había degradado tanto durante los 5 años que duro su internamiento, mi cólera frente a lo terrible de la situación iba en aumento y no dejaba de repetirme que algún día iba a hacer una película, mi primer objetivo al realizar el film fue no solo el de convencer sino concientizar y sensibilizar a los poderes públicos para que se hagan cargo del problema social de autismo, quise convertirme en la voz de tantas familias angustiadas.” 

Información adicional: 

Autismo: http://es.wikipedia.org/wiki/Autismo

Amigos - Intocable (2011)

Título Orig.:	Intouchables
Director:	Olivier Nakache, Eric Toledano
Productor:	Quad Productions / Gaumont / TF1 Films / Ten Films / Chaocorp production
Música:	Ludovico Einaudi
Guionista:	Olivier Nakache, Eric Toledano
Categoría:	Comedia. Drama | Amistad. Discapacidad. Basado en hechos reales
País:	Francia
Duración:	109 min.
Protagonistas:	François Cluzet, Omar Sy, Anne Le Ny, Audrey Fleurot, Clotilde Mollet, Joséphine de Meaux, Alba Gaia Bellugi, Cyril Mendy, Christian Ameri, Marie-Laure Descoureaux, Gregoire Oestermann
Sinopsis:	Philippe, un aristócrata que se ha quedado tetrapléjico a causa de un accidente de parapente, contrata como cuidador a domicilio a Driss, un inmigrante de un barrio marginal recién salido de la cárcel. Aunque, a primera vista, no parece la persona más indicada, los dos acaban logrando que convivan Vivaldi y Earth Wind and Fire, la elocuencia y la hilaridad, los trajes de etiqueta y el chándal. Dos mundos enfrentados que, poco a poco, congenian hasta forjar una amistad tan disparatada, divertida y sólida como inesperada, una relación única en su especie de la que saltan chispas.

“Consíguete un negro para que te alegre la vida”, podría ser el slogan de esta película, descomunal éxito de público en Francia y en el mundo entero. En “intocable”  título de indiferible relación con la trama, un súper recontra millonario amargado y paralitico logra saciar un poco su dolor gracias a los servicios de un vital asistente de origen senegalés. “Vieron que pobres y ricos pueden llevarse bien”, es otro posible slogan, para la segunda película francesa más vista en su país en toda la historia, mas de diecinueve millones de espectadores, algo así como el 30% de la población francesa, y basta ya de slogans, que para lugares comunes, en “intocable” (que en caso del mundo llevó a las salas más gente que en su propio país) se basta y sobra.

Buddy movie, encuentro de opuestos de clase gag de aprobada efectividad, con un toque de melodrama y otro de humanismo, guionistas y directores a la vez: Olivier Nakache y Eric Toledano narran nada a la hora de asegurarse la repercusión que la película finalmente tuvo. Heredero de una fortuna familiar que a la vista de su mansión y de su Maserati Quattroporte V, puede contarse entre las mayores de toda Francia, basada en una historia Real (el cliché que faltaba), el aristócrata Philippe (interpretado por François Cluzet), elige en un casting al asistente menos pensado, nada de esos tipos plagiados y relamidos, sino el prepotente y morocho ciudadano de barrio que terminará descargando sobre él toda su furia de clase. Maso-comedia burguesa: el morocho nunca había visto tantos lujos como los que tiene el otro, un descapotable, un baño tan grande como su antiguo apartamento, un avión privado, a cambio de eso él le convidará algún que otro porrito, unas cuantas risas y casi tiempo completo, conociendo cada día más del paralitico hasta el punto que descubrirá que a falta de sensibilidad del cuello para abajo, las orejas del tetrapléjico tienen la excitabilidad que él no se ha descubierto, hasta lo acompañará a volar en parapente, (motivo de que el tipo haya quedado para siempre en silla de ruedas).

El público se muere de risa con lo gracioso que es el morocho al bailar, (ya se sabe, los negros tienen sentido del ritmo), su escaso dominio de la lengua y la cultura, (llama Huevo Kinder a un Fabergé, ignora lo que quiere decir epistolar, oye a Vivaldi por primera vez,) su acidez y su prepotencia de calle, convierten el film en una lucha de clases, dejando satisfechos por ratificar su superioridad al público de clase alta e igual empatiza con las audiencias de clase baja.

Para el que prefiere emocionarse, está la historia del millonario lisiado y su espíritu para enfrentar la adversidad, dándose el gusto de volver a volar en parapente, como un Juan Salvador Gaviota del siglo XXI. Para el de risa fácil, los mil chistes con compositores clásicos, aunque el mejor chiste está fuera de la película, cuando alguien protestó contra la metáfora de una Francia Invalida, rescatada por los hijos de inmigrantes africanos. Obviamente que ya hay un remake angloparlante en preparación con Colin Firth y un negro que todavía están buscando. Pero ¿por qué una película se convierte en un fenómeno social con muy escasos precedentes?, ¿por sus valores cinematográficos?, o será porque sintoniza con un determinado momento en el que en este caso, los franceses buscan la reconciliación de un pasado colonial y un presente no exento de una fuerte impronta racista y xenófoba, pero más allá de que es una película fluida, con momentos graciosos y otros entrañables, cabe decir que no es nada del otro mundo, está claro que tocó alguna fibra intima de un viejo continente herido por la crisis que ha quedado en su orgullo y por lo tanto, necesitado de una cinta como esta.

Es una verdadera tregua de clases y de razas, hay pasajes emotivos, con cierta tendencia a dejar lecciones de vida, situaciones de un humor logrado y también pasajes bastantes previsibles y/o demagógicos. “Amigos” o “Intocables” es una película muy bien pensada y construida con solidez,  que se sostiene también en el carisma de sus dos antihéroes, no es mejor que muchos otros films que convocaron a miles de espectadores, pero tampoco es cuestión de exigirle en función de su éxito y si no fuese el hito mundial que es, estaríamos hablando de una comedia dramática, pequeña, noble, compradora y crispetera, ni más ni menos que eso. 

Informacion adicional: 
Entrevista a Oliver Nakache: http://www.youtube.com/watchv=fEaQ_1V6ax4&feature=player_embedded

Fabergé: http://es.wikipedia.org/wiki/Huevo_de_Faberg%C3%A9

El último bailarín de Mao - El prodigio (2009)

Título Orig.:	Mao's Last Dancer
Director:	Bruce Beresford
Productor:	Cross Creek Pictures / Exclusive Media Group / Smoke House
Música:	Christopher Gordon
Guionista:	Jan Sardi (Memorias: Cunxin Li)
Categoría:	Drama | Biográfico. Baile. Política
País:	Australia
Duración:	117 min.
Protagonistas:	Bruce Greenwood, Kyle MacLachlan, Amanda Schull, Joan Chen, Chi Cao, Alice Parkinson
Sinopsis:	Basada en hechos reales. Li Cunxin fue rescatado a los once años de una aldea china por delegados culturales de Mao y enviado a estudiar ballet a Pekín. Después de años de durísimo aprendizaje, se convirtió en uno de los mejores bailarines del mundo. Aclamado al principio como un héroe de la China comunista, acabó siendo acusado de traición porque, durante un intercambio cultural con Texas, se enamoró de una norteamericana e intentó quedarse en los Estados Unidos.

Si uno se detiene a analizar la prolífica filmografía de Bruce Beresford, descubrirá títulos interesante como “Gracias y favores”, notables acercamientos al género de moda en cada década como “Doble traición” e incluso películas ganadoras de un Oscar como “Paseando a Miss Daisy”, pero si algo ha caracterizado a este veterano director australiano, es su capacidad para amoldar su tono narrativo a la historia, es decir lleva casi 40 años ejerciendo de aquello que en el Hollywood clásico se denominaba “artesano”, esta postura ante la autoría de la obra tiene sentido cuando el asunto tratado es poderoso y posee la fuerza arrolladora de los buenos guiones, con “El último bailarín de Mao” estas condiciones no se dan del todo.

Su objetivo es poner en imágenes la historia de un joven chino convertido en exiliado político en  Estados Unidos durante el régimen Maoísta, la película se basa en las memorias escritas por el protagonista de la historia Li Cunxin, quien tras conseguir desertar alcanzó el estatus de estrella mundial de la danza, sin embargo el guionista Jan Sardi ha preferido seleccionar para el film una parte muy concreta de aquellos recuerdos, se pasa de puntillas por los pasajes relacionados con la vida cotidiana en la China de los años 70, solo se apunta tímidamente a los métodos educativos que allí se empleaban y se obvia el conflicto interno entre el hombre y el artista.

Es verdad que esta postura permite esquivar la tentación del maniqueísmo, pero a cambio se otorga una impronta de relato excesivamente edulcorado e impersonal, no funciona como modelo de denuncia y pierde el foco cuando trata de plasmar el éxtasis de un bailarín en plena actuación, ser tan “respetuoso” con el material ajeno tiene estas contrapartidas. 

Informacion adicional: 
Bruce Beresford: http://en.wikipedia.org/wiki/Bruce_Beresford
Maoísmo: http://es.wikipedia.org/wiki/Mao%C3%ADsmo

Poesía (2010)

Título Orig.:	Shi (Poetry)
Director:	Lee Chang-dong
Productor:	Pine House Film
Guionista:	Lee Chang-dong
Categoría:	Drama | Vejez. Alzheimer
País:	Corea del sur
Duración:	139 min.
Protagonistas:	Yun Junghee (AKA Yoon Hee-Jeong), Nae-sang Ahn, Da-wit Lee, Hira Kim, Yong-taek Kim
Sinopsis:	Mija es una anciana que vive con su nieto en una pequeña ciudad coreana. Es una mujer excéntrica y llena de curiosidad, que disfruta cuidando su aspecto y exhibe sombreros con motivos florales y vestidos con vivos colores. El azar la lleva a asistir a cursos de poesía en la casa de la cultura de su barrio y a escribir su primer poema. Busca la belleza dentro de su ambiente habitual, al que no había prestado ninguna atención hasta ese momento. Sin embargo, un suceso inesperado hace que descubra que la vida no es tan hermosa como creía.

Que la enfermedad de Alzheimer es un trastorno muy presente en nuestro entorno más inmediato y que preocupa cada vez más, (sobre todo a partir del tambaleo del estado del bienestar que parece estar provocando la crisis económica), lo evidencian los más de 35,6 millones de casos, que según las cifras más recientes existen a nivel mundial. No es casual pues que el mundo cinematográfico esté cada vez más pendiente de esta forma de demencia, ni que en el 58º festival de San Sebastián coincidieran tres películas con un protagonista afectado por la misma. El documental “Bicicleta, cullera, poma” de Carles Bosch, la china “Addicted to Love” de Liu Hao y la película que nos ocupa “Poesía”  del año 2010, todas ellas comparten además el hecho de llevar a cabo una reflexión sobre hasta qué punto nuestra memoria, los recuerdos que guardamos en nuestro interior, nos definen como individuos, lo que parte de una de las mayores preocupaciones del ser humano como animal social, la posibilidad de la perdida accidental de nuestra personalidad, de esa imagen auto-unificada que durante nuestra existencia nos ha permitido que el resto de la comunidad llegue a apreciarnos y a admirarnos. Claro que Lee Chang-dong diferencia su trabajo de los antes mencionados al abordar semejante tema de partida desde un ángulo personal perfectamente en sintonía con su filmografía anterior.  

Y es que al fin y al cabo siempre ha mostrado una especial predilección por los protagonistas inadaptados, individuos que viven al margen de los demás y que son directamente rechazados por ellos, pero que en cambio saben superar esas limitaciones construyendo un refugio en torno a ellos, para aislarse temporalmente del mundo, lo que usualmente supone encontrar consuelo en su propio ensimismamiento, en sus recuerdos o en sus aspiraciones. De ahí que su protagonista Mija no viva su enfermedad como un lastre, sino que acaba viéndola como una oportunidad de reencontrarse, de reivindicarse frente a un entorno social, que insiste en darle la espalda porque al fin y al cabo es mujer, anciana, viuda y sin demasiados recursos, tiene todas las cartas pues para quedar asfixiada, en una cultura egoísta enfocada al éxito económico. No es casual que a medida que averigua más cosas de Heejin, (la adolecente en cuya violación múltiple participó su nieto Jong Wook) vaya identificándose cada vez más con ella, pues debido a su origen campesino, lo tenía todo para ser olvidada rápidamente, sintiendo cada vez más cercano el dolor, el sufrimiento que la llevó a suicidarse.

Durante el Rodaje

La visión que el director ofrece de Corea del Sur, vuelve a ser como es habitual en su filmografía, deprimente y radical, mostrándola como una sociedad que aparece dirigida sobre un juego de mascaras, que muestra apariencias y oculta prejuicios, y una obsesión enfermiza por el beneficio propio, en la que los delitos se cubren con dinero y en la que la dignidad y la coherencia son vistas como una rémora del pasado. Lee se mantiene fiel a su estilo sobrio, reflexivo y deja que la lánguida belleza de sus imágenes permita matizar a John, su extraordinaria interpretación, construida a base de miradas y pequeños gestos.

Sí, a pesar del planteamiento inminentemente realista de su puesta en escena, su cine suele calificarse de poético, en esta ocasión el epíteto resulta mas relevante que nunca, ya que la fuerza impulsora de las acciones de la protagonista es la propia poesía, su redescubrimiento de esta disciplina literaria a través de un taller para aficionados y sus esfuerzos para cumplir con el único ejercicio que les impone su profesor, le llevan a intentar mirar a su alrededor con ojos nuevos, a volver a descubrir su entorno y con ello también a si misma, algo a lo que irónicamente le ayuda el Alzheimer, en ese sentido no es casual que su maestro esté interpretado por un rapsoda coreano real Kim Yong-taek, ya que Lee reivindica con el film el hecho de que la poesía puede ser una forma de aprender el mundo con más intensidad y con mayor profundidad.

Ese proceso de búsqueda del aliento poético en su interior lleva a Mija a volver a lo más sencillo, a disfrutar de la naturaleza, de los sabores y los olores y el sexo, lo que de hecho precipita su identificación con la desaparecida Heejin, sobre todo al visitar su pueblo oculto en las regiones agrícolas de Corea del sur.

Con todo ello el director esta denunciando la progresiva desconexión que sus compatriotas (demasiado pendientes de mantenerse en la cresta de la ola de la modernidad  y de lograr un cierto estatus económico) sienten hacia sus propias tradiciones. No obstante “Poesía” es sobre todo la narración del proceso de destrucción de una existencia, no solo por el Alzheimer y la edad avanzada del personaje de Yun Jeong-hee, sino también porque los vaivenes personales que sufre, van dinamitando su entorno más cercano, dejándola cada vez mas sola y mas desamparada, un cataclismo que al mismo tiempo le permite dejar de arrastrar las cadenas que llevaban décadas anclándola a la infelicidad y redescubrir así su propia feminidad y su propia sensibilidad dignificándose y de paso dignificando también a toda una generación de mujeres coreanas que han tenido que sacrificarse para sacar adelante su respectiva familia en los últimos compases de su vida. Una idea hermosa por lo que tiene precisamente de poética y de irreal. 

Información adicional: 
Enfermedad de Alzheimer: http://es.wikipedia.org/wiki/Enfermedad_de_Alzheimer
Festival de Cine de San Sebastián: http://es.wikipedia.org/wiki/Festival_de_San_Sebastian